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| 編輯推薦： |
季羡林认为他不只是一个画家，而且是一个国学家，还是一个思想家。
杨振宁赞许他是当代的大师，当代的大书法家，当代的大画家。
他被日本誉为“近代中国十大画家之一”。
法国前总统萨科奇亲自为他颁发“法国荣誉军团骑士勋章”，以表彰他的绘画成就和在中法文化交流方面所作出的贡献。
他，就是范曾，中国古典文化最忠实的守望者。
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| 內容簡介： |
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本书为范曾先生的艺术讲演录，不仅剖析了中国传统艺术的丰富内涵，阐述了中国传统文化的博大精深，而且囊括了他对中国绘画、书法、诗词的慧见卓识及独特实践心得。
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| 關於作者： |
优米网，由著名制片人王利芬女士于2009年创办，致力于打造一个服务于国家和知识群体的精英网络电视平台，并以打造公信力和影响力为第一责任。
二、主讲人简介
范曾，一代国画大师，擅长中国人物画，兼长诗文、书法。他是第一位在故宫武英殿举办过个人画展的当代书画家，其10幅画作更是被故宫永久收藏。2011年，范曾的画作拍卖总成交额为3.9亿元，位列“胡润艺术榜”榜首。联合国教科文组织授予其“多元文化特别顾问”称号。著有《范曾画集》、《范曾诗文书画集》、《范曾诗稿》、《庄子显灵记》、《老庄心解》、《范曾谈艺录》等百余种。“痴于绘画，能书，偶为辞章，颇抒己怀，好读书史，略通古今之变。”——他是这样评价自己的。
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| 目錄：
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第一篇 国画六讲
第一讲 知其白而守其黑：国画之美生根于中国文化
天籁、神韵、简朴是中国文化的源头。这种源头、这种艺术的感悟，来自七千年前的国度。七千年对宇宙来说也许不过是一刹那，到今天好像很遥远，可是那种感觉和今天真正的艺术家所追求的天籁、神韵、简朴应该是相通的。
第二讲 画中之竹非心中之竹：国画之美在乎与理游离
“非关”和“拒绝”是不同的，“非关”意味着一种游离，这个与“理”的游离对中国画家非常重要。能够引起人们精神感发的绘画，才有意味。
第三讲 浩浩乎而不知所向：国画之美在乎情态自由
画画的关键是，画者要处于一种在高度的理智约束下奔突的热情之中，即情态自由，这是中国画的本性。人的情态的高度自由莫过于不懂事的小孩，一个小孩的情感是绝对自由的。
第四讲 本于立意而归乎用笔：国画之美在乎点墨写意
工笔画要从意上来追求，而不要从笔墨的烦琐上来看。写意画要从精微的地方来要求，而不要仅仅看到粗豪的一面。
第五讲 本天成而偶得之：国画之美在乎天然即兴
中国画不靠耐久力，而靠灵感和激情，这就是中国文人的一种思想。文章本天成，妙手偶得之，一俯仰之间，而遁乎万里之外。
第六讲 上善若水而润物无声：国画之美在乎源于生命。
作为生命之源的水，是中国画创作的溶剂和媒介，中国画很多都是水墨画，没有化开墨的水，就没有绚烂多姿的中国画。如果没有水，就没有充满生命力的国画创作主体和创作对象。
第二篇 书法五讲
第一讲 六意内涵，其妙无方：汉字之美在乎丰厚可爱
中国文字本身之妙，是全世界独一无二的，没有一个国家的文字能像中国文字具有这么丰厚的形象、声音和意义。
第二讲 与时俱进，多元融合：书法之美在乎自足包容
把书法当成一个体系去学习的话，认真读帖是书法入门的正确方法之一，甚至是学习书法的必由之路。
第三讲 外师造化，痛快明洁：书法之美在乎自然精爽
中国书法重视线条，但一个伟大的书法家追求的是忘掉线条，从线条中解放出来，以表现书法家心情境遇之悲喜怒忧，展露其有意识和无意识的内心秩序或失序。
第四讲 四美皆具，二难兼并：书法之美在乎此情此景
书法是当时的、此时此刻的。写字的时候，有时感情愤怒，字就跳动，就有一种激情；有时痛苦绵延、愁绪万千，字就弛缓相间、错落有致；有时平心静气，字就写得稳重、端庄、典雅。
第五讲 中得心源，心性外化：书法之美在乎字如其人
在“外师造化，中得心源”的过程中，一种忘怀得失的状况，做到书法和人高度统一，是我们追求的最高境界。
第三篇 诗词七讲
第一讲 苍天作帐，滴水成文：对联之美在乎平仄相合
骈文有“五美”：裁对的均衡对称美、句式的整齐建筑美、隶事的典雅含蓄美、藻饰的华丽色彩美、调声的和谐音乐美。对联之美的原因之一是它具备骈文的面貌。
第二讲 荷风送香气，松月生夜凉：对联之美在乎兼备诗性
好的对联不仅要有骈文的面貌，还要有诗词的韵味。对联是文字的艺术，只有在“字”和“文”上下工夫，才能营造出诗词一般的意境。
第三讲 风定花犹落，鸟鸣山更幽：对联之美在乎凝神表意
对联如果没有散文的风骨，就没有立场，没有褒贬，缺乏表达。所以，具备了骈文面貌、诗词韵味、散文风骨这三点，才够得上是一副好对联。
第四讲 莽莽天宇，恢恢地轮：诗词之美在乎韵律和谐
我给中国的诗歌下过一个定义：“摩挲音韵律，通邮人鬼神。”什么叫摩挲音韵律？作中国诗，你不懂声音，不懂格律，不懂诗歌的韵律，就谈不上是中国的古典诗。
第五讲 蓦然回首，那人却在灯火阑珊处：诗词之美在乎高远境界
好的诗词之所以能够经久不衰，就是因为它与天地精神相往还、与古圣贤的心灵相往还，是对人类共有精神的展现。
第六讲 胡未灭，鬓先秋，泪空流：诗词之美在乎真情真景
要做到与天地精神相往还，离不开一个“真”字。只有写真感情、真景物才会产生意境。“真”，是每个艺术家心灵最重要的标尺。
第七讲 陷入我执，陷入法执：诗词之弊的显著特点
对于诗人、词人，“我执”具体表现于两点：第一，急于求成；第二，太注重别人的评价，为功名所困。“法执”就是太执着于一些条条框框，陷入法执，就是死于格律、死于章句。作好诗词，一定要避免这些弊病，在严格韵律的要求下，有感而发，追求高远的境界。
附录：关于艺术、人生、祖国的对话
——CCTV《我们》栏目范曾专访序
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| 內容試閱：
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∣第∣三∣讲∣
浩浩乎而不知所向：国画之美在乎情态自由
好的艺术作品是高度的理性和高度的感性集中表达的结果，是理智和热情结合最美妙的结果，就如古希腊日神精神与酒神精神的完美结合。在古希腊神话中，太阳之神阿波罗是理性克制的代表，而酒神狄俄尼索斯则充满了激情和生命力。画画的关键就是要处于一种在高度理智约束下奔突的热情之中，这就是与理游离的中间地带——情态自由。永葆自己心灵的情态自由，就是诗意的裁判。
什么是自由？有句话是这样说的，“一千个人眼中有一千个哈姆雷特”，同样，一千个人眼中也有一千种对自由的理解。经常有学生旷课，然后告诉我说，他这是“独立之意志和自由之精神”，实则不然。自由有三种：理性自由、契约自由和心灵的情态自由。
理性自由是针对自然而言的，是对科学规律的认识。顺乎自然规律，你就会觉得无所牵绊，这就是理性自由。比如，你要学游泳，就要对水的性质有一定的了解。有人可能会反驳了，说我并不懂物理学，但我是个游泳健将。对规律的认识，不一定要形成理论。对水性的认识，不是说你一定得知道浮力怎么产生、怎么计算，而是说你知道怎样在水中可以浮起来，这就是对浮力的利用。虽然你不懂这个理论，但你认识了规律，在这个基础之上，你就可能学会游泳，在水中自由嬉戏，而不觉得受到限制。
契约自由是针对社会尤其是法律而言的，是指对法律、道德等社会规则的遵从。人是社会性动物，不可能离群索居。在人类社会早期，人需要结群以对抗洪水猛兽等大自然的危害，延续种族；在成熟期，人类单靠自己没法满足生活需要，即便是最基本的生存需要，所以要依赖社会。而在社会交往中，人也不可能为所欲为，因为资源极其有限。如果大家都随性生活、无所顾忌，那么必然会出现争抢、斗争，最后就沦为了霍布斯所说的“一切人对一切人的战争”，社会一片混乱，最后是谁也无法存活下去。于是，为了彼此和谐相处，大家就订立一些契约，指出大家必须遵从的规范。在现代社会，最基本的契约就是法律。在法治社会里，只要你遵从法律，你就不会觉得受到约束。
心灵的情态自由则是针对个体而言的，是没有外在限制的自由。情态自由就是诗思如天岸马，你的思想就如天岸的奔马一般，纵横驰骋，就像苏东坡在江上“浩浩乎如凭虚御风，而不知其所止”。
画画，就要处于这种高度的情态自由当中，这就是中国画的本性。人的情态的高度自由莫过于不懂事的小孩，一个小孩的情感绝对是自由的。德国著名哲学家尼采在《查拉图斯特拉如是说》中说到这样一件事，查拉图斯特拉对五色牛村的人讲，人生要经历几个阶段、几种状态：起先是骆驼的状态，任重而道远，在沙漠里慢慢行走，无怨无悔；其次是狮子的状态，狂风暴雨，风沙大起，作狮子吼；第三是赤子的状态，赤子状态后来又被王国维在《人间词话》中借用来研究中国的词学，认为中国词人是“不失赤子之心者也”，这个赤子之心也正是中国画所需要的。
赤子的性格到底是怎样的呢？它要具备七点：若狂也；若忘也；若游戏之状态也；若万物之源也；若自转之轮也；若第一之推动也；若神圣之自尊也。
若狂也。有的人认为狂一定是精神失常。其实不是这样的，狂是一种心灵裂变的状态。这与我们平常说“这个人狂”也不大一样，孔子讲，“狂者进取，狷者有所不为也”，一个内心真正有一点儿狂劲的人勇猛奋进，在孔子看来也是个优点。若狂也，就是讲你要有痴狂的境界，画画时要尽性。
若忘也。指画画之人要能够放下，胸无挂碍，只是根据当时的感觉画。如果你一天到晚既患于得又患于失，整日斤斤计较，那你会在痛苦中活着。有太多的痛苦、牵绊，就不可能做到情态自由，就画不出好作品。现在有些年轻画家，一开始画就想着画能卖个好价钱，这很可笑。商人的评价不是重要的评价，拍卖场也不是艺术的前途。齐白石有一句话说得好：“人欲誉之，弗顾也；人欲毁之，弗顾也；毁誉不顾。”画家要自己好好地画，不要管这些，根本不要看，也不要顾念自己是不是流拍了、是不是成功了，既无高兴也无失望，这才是真画人的心态。
若游戏之状态也。画画就像处于游戏之中，抱着放松之心好好享受作画的过程。如果中国画家拿起毛笔就痛苦，就想自杀，那么最好不要学画。学画画，就是因为拿起毛笔是件快乐的事情。
若万物之源也。在第二讲我们讲过，中国画家画画，他眼中之竹、心中之竹和笔下之竹是有区别的。笔下之竹成形之后，就是此物之源头，是现实之物的一种再生。你是在创造，而不仅仅是从自然中摄取。
若自转之轮也。就是说画画要有自己的个性，你的行动要你自己做主，而不是纯粹地依循一个范本，依循一个古人。有的人为社会作画，有的人为自己作画，哪个好？不同的人有不同的想法。我认为一定要画你自己想画的东西，画出你自己。有人问我，叫我画家、书法家，还是诗人，哪个更好？我说叫范曾，这是在我心目中比画家、书法家、诗人更重要的。无论是我的画、书法还是诗，最终都是要体现范曾，而不是体现李苦禅，体现齐白石。
若第一之推动也。“第一推动”最早是古希腊哲学家亚里士多德说的，到了中世纪的时候，很多神学家借此来论证上帝的存在，后来牛顿也用到这个词。“第一推动”一般指事物运动最后的目的和最终的原因。画画也是这样，它应该是人们美感的推动者。画作出来之后，要能够开启人的视觉的审美，不要老生常谈，让别人看了产生疲劳感。
若神圣之自尊也。通过自己的作品充分展现人的自尊的神圣。我喜欢我画的泼墨线描，虽然它现在还没有得到社会普遍的欣赏。我心里喜欢《泼墨钟馗》、《老子》、《黄宾虹造像》、《爱因斯坦》，这些画抒发了我多年来梦寐以求的东西，而这个又与我内心崇拜的一个偶像（八大山人）不谋而合。你看八大山人的画，你就能看到他的为人、他的性格，那种儒者风度、谦谦君子之风跃然于纸上。在八大山人的画中，看不到愤怒，你总是心为之放松，这跟徐渭不同，徐渭也是个伟大的天才，他的画很了不起，但他的画总有一些败笔，总有一些错乱的地方，因为他内心有愤怒。
只有做到这“七若”，才能拥有赤子之心，才会有高度的情态自由。情态自由到底是一个什么样的状态呢？《庄子》里有这么一个故事：“宋元君将画图，众史皆至，受揖而立，舐笔和墨，在外者半。有一史后至者，儃儃然不趋，受揖不立，因之舍。公使人视之，则解衣般礴，裸。”说的是，宋元君请一些画家来画画，大家都正襟危坐，鹄立一旁，最后来了个人行完基本礼节，就关起房门在里面作画。宋元君派人去看他在干什么，结果发现他在屋子里裸露身体，很快意地画画。我说这个就是中国大泼墨写意的一种极端的情态自由，这是出自本真的表现，而不是想借此炫人耳目。就我自己而言，曾经表现过的情态自由是这样的：我拿上毛笔，看着画纸，奔向画面，刷刷几笔下来还不知道是什么东西，然后远看，这是人物，这是衣带，一个深度动作出来了，上去，一完成，一张非常好的大写意出来了。
这就是真画家的状态。一个真正的艺术家，只有达到忘我的境界，才能有挥毫时彻底释放的心灵情态自由。石涛曾经激赏新安吴子作画的状态，“每兴到时，举酒数过，脱巾散发，狂叫数声，发十斗墨，纸必待尽”；怀素自述写字状态“忽然绝叫三五声，满壁纵横千万字”，此二人“狂叫”、“绝叫”的情态，是回归自然的忘情歌啸，他们摒弃了世间的一切束缚，逍遥于自我心灵的自由之境。
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