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編輯推薦： ★深入法国历史 探寻法国艺术魅力源头 每一件大师杰作都有其历史背景，每一种审美观点都和民族特性、时代发展阶段息息相关，在这本书中，我们将溯源法国艺术，在法国历史发展进程中看到艺术家的沉浮、艺术的变迁。 ★内行人帮你破译艺术密码 本书作者翁昕兼具扎实的专业基础和丰富的从业经验，每一件艺术品在他眼中都有一层层述之不尽的丰富含义，他在这些作品中发掘出了大量细节，为你展现进入视野却没有真正看到的隐秘之处。 ★获读者口碑认可的艺术进阶 翁昕的作品《如何看懂艺术》曾入选“2018年度艺术·设计十佳好书”及首都图书馆“阅读之城2018请读书目”，同系列的《如何看懂艺术2》于2019年出版，亦得到众多艺术爱好者好评。本书是翁昕的全新力作，将焦点对准了艺术之国法国，是每一位艺术爱好者不可错过的进阶。 ★特色内容全方位讲述艺术 在总体讲述脉络之外增加大事年表、趣味故事，共同为你呈现出一个时间和空间上更立体的法国艺术世界。 內容簡介： 我们对法国的理解，影响着法国艺术在我们眼中的模样 *凡尔赛宫的设计如何体现出路易十四的治世理想？ *夏尔丹的作品为何能获得启蒙思想家的青睐？ *法国画坛领袖雅克-路易·大卫如何靠政治手腕左右逢源？ *热里科以一幅怎样的惨烈画面控诉了复辟政府？ 法国艺术在西方艺术中占有至关重要的位置。法国这片土地不仅涌现出普桑、夏尔丹、雅克-路易·大卫等众多艺术大师，也吸引了诸如达·芬奇、鲁本斯等来自意大利、佛兰德斯等地的艺术家，他们实践着自己的艺术理想，其命运也与法国国运共同浮沉。本书将深入法国历史，从法兰西诞生讲起，到拿破仑时代结束，探究法国艺术魅力之源，带领读者真正看懂法国艺术。 關於作者： 翁昕，艺术经纪人，先后毕业于中央美术学院及伦敦苏富比艺术学院。在为国内外收藏家寻找东西方大师作品的同时，他也为多家大型金融机构的超高净值客户提供艺术教育和顾问服务。此外，翁昕也为《艺术新闻》（The Art Newspaper）中文版和《艺术商业》等刊物撰稿，担任果壳特约作者，并在知乎撰写艺术主题专栏和回答，拥有超过35万名关注者。 在过去十余年间，翁昕的足迹遍布世界各地大小博物馆、画廊、艺术机构、私人基金会。和大师杰作的接触加上工作中和藏家交流艺术的经验，成为他热衷写作的动因。他的作品《如何看懂艺术：伟大艺术品背后的故事》入选豆瓣“2018年度艺术·设计十佳好书”及首都图书馆“阅读之城2018请读书目”，同系列的《如何看懂艺术2》于2019年出版，亦得到众多艺术爱好者好评。 目錄： 1 查理大帝的野心 001 “路易”的由来 001 君权神授的意义 004 复兴文艺的动机 005 2　光造就的教堂 012 圣殿落成 012 从法兰克到法兰西 014 国王与教士 016 旧的不能去，新的也得来 018 无名大师的创新 020 新时代的发端 024 3　大教堂时代 026 巴黎郊外的遗珠 026 谁才是“哥特式” 027 何为“大教堂” 030 灾难前后 035 高耸入云的关键 038 沙特尔蓝 041 上帝是个数学家 044 口口相传的秘方 047 中世纪的巨人 050 4　祈祷书里的春秋 054 大难不死的兄弟 054 公爵府上过新年 055 朱门酒肉臭 060 5　再造法兰西 064 治国新论 064 国王的肖像 065 重塑法兰西 067 6　醉心于意大利的国王 072 汤要凉了 072 弗朗索瓦的执着 074 钱解决不了的难题 079 7　乐园 081 大幕拉开 081 巴洛克是个大箩筐 082 你也要去阿卡迪亚吗 085 我也曾在阿卡迪亚 088 从不忽视与刻意省略 092 新观众的诞生 096 8　太阳王的伟大时代 099 长寿的国王 099 太阳王的一天 101 为太阳作画的人 108 太阳之下的光芒与阴影 112 9　戴“面具”的画家 116 视觉享受的胜利 116 稍纵即逝的快乐时光 119 哭笑不得 123 10 甜到极致的欲望与放纵 128 阁楼里的青年画家 128 体面的诱惑 130 闩不住的门 137 11 启蒙时代的新观众与画家 141 画布上的大众文学 141 美在生活中 145 骇人的血肉 147 启蒙运动启蒙了谁 151 12 大革命 156 日渐暗淡的王冠 156 新的古典 158 风雨将至 164 暴风骤雨 166 九三年 168 一切都会过去的 177 13 货卖帝王家 185 冲上 185 帝王的标准像 187 加冕 190 过后 193 14 一个饱受折磨的灵魂 198 十全十美的偶像 198 难以直视的现实 201 15 浪漫主义的黎明 208 后浪 208 屡败屡战 212 一鸣惊人 215 16 新大陆的曙光 224 又一场革命 224 革命结束之后 225 东学西渐 230 色彩的交响 239 一个真正的浪漫主义者 242 注释及图片来源 247 后记 257 內容試閱： 只要谈到西方艺术，法国就是一个绕不过去的艺术之国。 往大了说，在法国的国家命运发生重大转折时，变革的大潮中常常能见到艺术家的身影。叙热为团结国民兴建的圣德尼大教堂、让·富凯为塑造法兰西民族认同感绘制的《法国大编年史》插图、路易十四集结众人之力成就的凡尔赛宫均是个中体现。更不用说法国大革命和拿破仑帝国时期，同时也是法国艺术的黄金时代。 往小了说，法国人的爱恨情仇通过一代又一代艺术家的作品保存下来，展现给当今的我们。他们支持的、反对的、向往的、鄙夷的一切，存在于贝里公爵的《豪华时祷书》中、普桑描绘的世外桃源里，还有格勒兹用画笔讲述的风俗故事中……一些作品成为历史发展进程中的标志性里程碑，另一些作品则是带我们回到过去的时光机。 尽管和当今世界上的众多大国相比，法国的国土面积并不算大，仅仅排在第37 位，但或许是因为它位居西欧中心地带，四通八达的地理条件和历史上的数次经济盛世令它得以会集各方人才。林堡兄弟、鲁本斯从法国北方的佛兰德斯来，达·芬奇从南方的意大利来，一直到近代，都有惠斯勒、梵高、毕加索等数不清的大师，从世界各地来到法国，在这里开始并实现他们的艺术理想。 法国本土的艺术家，也从未浪费如此的天赐良机。他们积极地吸收各种营养，再借他山之石将本民族的审美情趣加以打磨雕琢。这一传统可追溯至《戈德斯卡尔克福音书》的佚名作者，从普桑到大卫之间数百年的法国艺术大师，几乎个个求学于意大利的历代先师。在法国蓬勃发展的艺术风格，又透过哥特式大教堂、借着勒布伦等人之手广传四海。直到近代，法国的艺术家还在远东的浮世绘画家那里学到了新本事，创作出新东西。正是因为其善于吸收和发散的特点，可以说了解法国艺术，是欣赏西方乃至世界艺术的关键一环。 在写作这本书的过程中，我试着尽量少用专业名词来框定艺术家的风格。既是因为希望可以减轻你的阅读负担，也是因为艺术家的创作各具特色，即便是同一个时期的艺术家，风格也可能千差万别。何况很多风格名称初是被用来揶揄、挖苦的，本身就不是严谨的描述。更不用说很多定义他们的术语，对于创作出它们的艺术家本人而言往往也是陌生的：大卫并不认为自己的作品算是新古典主义，而更倾向于认为它是宏大（grand）风格；夏尔丹活跃于洛可可风格时期，其艺术风格却和同时代的另一位代表人物布歇有着天壤之别。尽管我是在用文字来讲述艺术，但艺术家和作品本身才是主角。希望我的文字能够将你带到作品面前，而不是替作品发声。观众和作品之间的交流感受才是我看重的。 考虑到文中涉及的作品均创作于上百年之前，为了能够将它们以立体的方式呈现出来，我附上了一份大事年表，并在书中穿插了几个独立的小故事，希望它们能够共同为你呈现出一个时间和空间上更立体的法国艺术世界。 直至今日，法国的首都巴黎依然是全世界拥有多博物馆的城市之一。书中所引用的绝大多数作品，也都收藏并陈列于法国的博物馆中。当初是这些藏品给予我美的享受，并激发了我的表达欲，终以书的形式展现出来。这本书出版之际，正值全球处在一个交通不畅的特殊时期，在一切过去，我们重新毫无顾虑地出行欣赏这些旷世杰作之前，希望我的这本书能够陪在你手边，和你一同享受它们带给我们的乐趣。 格勒兹只是夏尔丹的众多仰慕者中的一员。在艺术界的同行中，对夏尔丹的推崇几乎已成为一种常识。将布歇批评得体无完肤的狄德罗从他的画中感受到了浑然天成的美，声称“任何鉴赏理论在他的作品面前都是毫无意义的，要欣赏他的画作只需要保存自然给我的眼睛，好好使用它们” 。如今，同格勒兹的《给孩子阅读〈圣经〉的父亲》一样，夏尔丹类似主题的《午餐前的祈祷》[恰恰也收藏于卢浮宫，两者相较，便可发现狄德罗虽然言辞夸张，但的确抓住了重点。夏尔丹的作品之美，正是平实自然之美。 当这幅作品于1740 年沙龙展上初次亮相时，并没有立刻得到公众广泛的关注。它展现的是一个平凡得不能再平凡的家庭场景：妈妈正带领两个孩子在用餐前进行祷告。坐在小椅子上的孩子认真地听从妈妈的教导，玩具鼓和鼓槌被挂在椅背上，既显示出小朋友对待餐前祷告的虔诚，也显示出妈妈育儿有方。坐在餐椅上的大孩子仿佛也被祷告的内容吸引了，一动不动。夏尔丹非常善于利用画中为数不多的细节来讲故事，巧妙地选取一个画中人正在专注地做某件事的瞬间。观众在一瞥之中，便感受到画中充盈的祥和、美好气氛，并由此联想到，在这自然而然的片刻停顿结束，时间继续流转起来后，画中人接下来的生活也将是如此祥和、美好的。他们所处的场景是勤劳百姓之家，朴实、整洁，没有太多画蛇添足的家居装饰。在夏尔丹的画中，一切都显得那么自然，每一个要素都被安排得恰如其分，仿佛生活就该是这样的。 相比之下，格勒兹即便是描绘“父亲读《圣经》”这种题材，都要尽量往里面加戏。在他的构思之中，父亲朗读《圣经》，必须全情投入、眼眶湿润；孩童要是聆听《圣经》，便一定要露出呆若木鸡的虔诚表情；倘若还不懂事，就必须招猫逗狗，弄出些动静来。这样的设计，固然可以凭借戏剧性的夸张手法来吸引展览上观众的注意，但倘若再多看两眼，难免显得用力过猛，和平淡之中见真情的夏尔丹相比，落了下乘。 从《午餐前的祈祷》中，可以清晰看出夏尔丹有意识地远离以布歇为代表的奢华风格。他的画面色调平和、朴素，描绘人物衣着和桌布的白色同背景的褐色和谐共处。如果我们回望一下勒南兄弟和拉·图尔是如何利用深褐色的背景将画中人“推”至观众眼前的，便会发现夏尔丹不但不强求画面的视觉冲击力，甚至并不在乎观众是否需要被画面吸引，相比之下，布歇画中的一草一木都在花枝招展地引诱观众将目光停留在画上。如果再仔细观瞧，还会发现就连夏尔丹的笔触都在诉说着他的诚恳。他将颜料一笔一笔地铺在画布上的痕迹清晰可辨，既不像鲁本斯在描绘水花时那样有意识地通过留下笔触来炫技，也不像布歇那样尽力掩藏手绘的痕迹，令笔下的人物宛如瓷娃娃一般光滑剔透。画风的选择本没有高下之分，但夏尔丹的画风的确要比同时代的画家们来得清爽寡淡得多。这令他成为游离于主流画坛之外的异类，但这种自绝于主流之外的结果，倒并非夏尔丹生性不合群或愤世嫉俗的产物，而是另有客观原因。

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